上海电视节向六部作品颁发“年度优秀微短剧”荣誉，彰显行业共识——

　　好的编剧造就好的微短剧

　　“技术越发达，越要坚守创作初心，坚持拥抱变化，更要坚持讲好故事。”手捧荣誉证书，《盛夏芬德拉》的编剧孙宇航感叹，这份肯定是对编剧群体的巨大鼓舞。

　　昨天，在上海展览中心举行的白玉兰论坛“AI浪潮下的微短剧精品化之路”上，第31届上海电视节向《家里家外》《奇迹》《闪婚玫瑰》《盛夏芬德 拉》《唐诡奇谭》《朱雀堂》六部作品颁发“年度优秀微短剧”荣誉。尤为引人注目的是，登台接过证书的代表中，绝大多数为编剧与文学策划，彰显出“好的编剧造就好的微短剧”的行业共识。

　　作为新大众文艺的重要载体，微短剧既是AIGC技术落地的前沿阵地，也是推动文化产业高质量发展的重要增长极。它正逐步摆脱“下沉”“低劣”的刻板印象，从单纯流量产品向优质文化内容转型，成为不可忽视的艺术表达。

　　什么是好的微短剧？此次“年度优秀微短剧”的创作者们不约而同谈到了“内容本心”与“创作坚守”。

　　无论长短，遵循创作过程中的自我表达

　　短剧与长剧之争，始终是一个绕不开的话题。此次“年度优秀微短剧”的创作者们认为，无论长短，优秀作品的根源在于遵循创作过程中的自我表达，他们甚至将长剧的优秀基因注入短剧中。

　　以全网传播量破百亿的《家里家外》为例，其在创作模式上与以往的微短剧有很大不同。传统微短剧强调“每一集留钩子”或“高强度冲突”，而这部作品带有浓厚的长剧特点，更偏向娓娓道来的“慢节奏”。

　　“我们不认为短剧就等同于‘快’。单纯追求速度，如果没有实质性的信息增量，观众反而会感到疲惫。”《家 里家外》导演杨科南表示，团队在制作层面一直坚持的方向，是故事密度。“在短短3分钟甚至1分钟的篇幅里，要容纳足够多的情节。仅靠情绪输出，力度是不够的。它需要覆盖人物背景、人设呈现、关系构建等，这才是我们更看重的。”

　　“短剧因为篇幅短，所以输出信息的效率必须高。但叙事效率高并不意味着只是‘快’。长剧可以安静、可以抒情，短剧同样可以。”《奇迹》的文学总监梁振华表达了相似的观点。比如，《奇迹》写的是深圳的文化和深漂青年群像，前后跨越30年的两代人，以及“深圳速度”等概念。“这在以前的长剧经验里可能需要30集，我们用40分钟的体量就讲完了。当这些时间概念不再刻板地表达时，创作者的思维就不受篇幅限制。”

　　他坦言，刚开始接触短剧时也有篇幅焦虑，总说“没空间”，后来发现只要调整切入视角和人物塑造，空间是可以被创造出来的。短剧出现后，空间化的调度变得更加频繁，给到观众的信息量很大。

　　有限的篇幅也能保证情感浓度，关键在于真实

　　在有限的篇幅内，如何保证情感浓度？梁振华认为，长度与情感浓度并不成正比，短剧如果能在关键时刻给到观众精准的心理刺激，配合到位的情绪价值，同样能产生巨大的爆发力。“一个好的创作者，各种篇幅都应该能驾驭。这次《奇迹》的创作经验让我意识到，尽管时代节奏在变，但在有限的时间和空间内，我们依然希望给观众情感、希望和未来，有价值、有情感的内容。”

　　《东北爱情往事-闪婚玫瑰》更是借鉴了长剧的成功经验，将年代细节、地域特色以及具有代入感的生活元素融入短剧创作中。这看似是一次大胆的尝试，其实是建立在市场需求和内容逻辑之上的。“长剧市场，年代爱情剧一直表现亮眼，比如《父母爱情》《小巷人家》等，既有极高的播放量，也收获了良好的口碑。但在当时的短剧赛道，年代题材几乎只有‘重生’这一种表现形式，缺乏在真实年代背景下讲述普通人爱情与奋斗的作品。”《东北爱情往事-闪婚玫瑰》总制片人李桢说，长剧之所以能打动人心，核心在于鲜活的人物、细腻的时代细节和真实的情感关系，这些同样是短剧故事的底层逻辑。

　　经过市场检验，也确证当初的判断是对的：长剧的创作方法论在短剧中依然有效，只是需要做相应的适配。在《东北爱情往事-闪婚玫瑰》的评论区，很多年轻观众会用“抱抱”这样的词语，在网络上扮演剧中人物父母的角色。这种情感共鸣，正是源于作品对时代细节的还原。此外，在美术和场景上，剧组专门前往东北实景拍摄，寻找高耸的烟囱、老厂房、旧街景等标志性元素，尽力还原上世纪八九十年代年轻观众的父母曾经生活过的环境。在表演层面，剧组也大量选用东北籍演员，他们在现场自然流露的互动和方言交流，让角色更加鲜活。这种真实感也延续到了第二部的拍摄中。

　　在李桢看来，年代剧的独特魅力还在于，它能将下岗潮、南下打拼等相对沉重的时代议题，自然地融入小人物的生活中。观众不仅看到了爱情，也看到了普通人在时代洪流中的坚韧与温情：“这种以小见大的叙事方式，正是年代剧能够引发广泛共鸣的关键。”

　　说“不”的态度，是人类应当珍视的能力

　　AI浪潮下，如何走出微短剧的精品化之路？“最核心的一点是，我们没有被市场牵着鼻子走。市场上大家常说短剧就是要有‘霸道总裁’、要套路化等，这些所谓的‘流量密码’，我们没有盲目跟随。”杨科南说，团队坚信自己积淀的东西能把故事讲好，能创作出自己喜欢的故事。“因为创作有一个基准：要让观众喜欢，首先你自己要喜欢；要让观众感动，首先你自己要感动。”

　　面对技术对微短剧行业带来的变革，孙宇航有自己独到的见解——她不回避AI在创作中的帮助，提出创作者应主动拥抱技术边界，同时更要珍视人类在创作中不可替代的“冲突”与“温度”。

　　“坦白说，AI的能力可能远大于我们很多个体创作者。”在日常工作中，孙宇航坦诚表示会和AI商讨选题方向，这在客观上改变着寻找选题的方式：“其实现在人类想说的，前人都说过，同一个故事在古今中外有大量版本，它们反复在讲同一个内核。所以当我们今天想做一个选题时，前沿的做法是大量吸取前人已经做过的所有经典。在这个过程中，不管是专业院校曾经培养我们，还是现在你拥有的AI这个工具，它都是一个很好的灵感来源。”

　　制作上，AI也可以解决原来真人拍摄中很多技术难题，有些制片人已经掌握了用AI“手搓视频”的方法。但她提醒创作者必须了解AI技术的边界：“你要知道在使用AI的过程中会产生哪些问题，才能够真正拥有它、利用它。”

　　对于目前正在发生的这场“碳基”与“硅基”的博弈，孙宇航认为，趋势偏向“硅基”，但人与人之间的互动才能产生的火花，或许才是最关键的：“AI可以满足你的要求，但很难向你提出有价值的不同意见。每次你给它提出质疑，它总是态度良好，说‘对，这是我的问题，我改’”。但在真实的剧组里，编剧、导演、演员之间对于戏的设计、人物以及自己的表演是否深入，大家会有大量的冲突和探讨。“这种对你严肃说‘不’的态度、这种真实的思想碰撞，是AI所不具备的，也是人类应当珍视的能力。”让AI为日常工作提供大量帮助，但在关键的决策上始终坚信人类的直觉，这是她对新技术的态度。

　　本报记者 卫中

　　来源：文汇报